Isaac Stern fue uno de los violinistas más destacados del siglo XX. Además de su virtuosismo musical, también se destacó por su compromiso humanitario, participando apasionadamente en causas tanto globales como locales. Algunos consideraban que sus actividades extramusicales distraían su concentración en el violín, mientras que otros veían que su participación en la sociedad enriquecía su interpretación musical. En realidad, estas dos facetas estaban inseparablemente unidas. Stern como persona y Stern como músico se nutrían mutuamente, dando como resultado una figura de gran envergadura que aportaba la misma energía inagotable a todos los aspectos de su vida.
Los inicios de Isaac Stern
Nacido en Kremenets, Ucrania, Stern fue llevado a San Francisco cuando tenía menos de un año. Allí recibió toda su formación musical: en el Conservatorio de San Francisco (1928-1931), luego con Louis Persinger (quien también enseñó a Yehudi Menuhin) y finalmente con su principal maestro, Naoum Blinder (1932-1937). A diferencia de Menuhin, Stern no era un prodigio. Aunque hizo su debut en recital a los 15 años, y llamó la atención nacional a los 16 años con una interpretación del concierto de Brahms junto a la Orquesta Sinfónica de San Francisco dirigida por Pierre Monteux, los críticos de Nueva York lo consideraron simplemente prometedor después de su debut allí a los 17 años.
No fue hasta su primer recital en el Carnegie Hall el 8 de enero de 1943 que Stern realmente dejó su huella. En el New York Herald Tribune, el crítico y compositor Virgil Thomson lo proclamó uno de los mejores violinistas del entorno. Su pianista en esa ocasión fue Alexander Zakin, y su promotor Sol Hurok, ambos de los cuales se convertirían en colaboradores habituales más adelante.
El trabajo lento y constante de Stern dio sus frutos: a partir de ese momento, su carrera se aceleró. Después de actuaciones para las tropas aliadas en Islandia, Groenlandia y el Pacífico Sur durante la guerra, en 1945 hizo sus primeras grabaciones para Columbia, y se mantuvo en el sello durante medio siglo. En 1948, hizo su debut europeo en el festival de Lucerna y se convirtió en un visitante anual en Europa, excepto en Alemania, donde se negó a tocar frente a los perseguidores de su pueblo. (Cedió un poco en 1999, cuando pasó nueve días enseñando a jóvenes músicos alemanes, pero aún así se negó a aparecer en un escenario de concierto).
El estilo y legado de Stern
Muchas de las grabaciones de Stern de finales de los años 40 y de los años 50 todavía están disponibles, y demuestran vívidamente por qué causó sensación en el entorno de la música. De inmediato se destaca su asombrosa energía, una intensidad incesante derivada de su pura alegría por hacer música. Su interpretación es fresca y natural, fluyendo como el habla. La fuerza rítmica es irresistible, lo que resulta en una energía latente y vibrante incluso en los pasajes líricos. Su enfoque del instrumento es audaz y enérgico, caracterizado por una articulación incisiva y contundentes arcos. El tono es sorprendentemente robusto y pleno, pero claramente enfocado gracias a un vibrato estrecho y rápido.
La técnica en sí no interesaba mucho a Stern. la técnica debe darse por sentada, dijo. la técnica significa la capacidad de tocar notas rápidas y precisas. la técnica de un hombre determina hasta dónde llegará, pero la técnica y el gusto juntos solo establecen las condiciones para hacer música. Lo que realmente le importaba era la concepción musical, su deseo de usar el violín para hacer música, nunca usar la música solo para tocar el violín.
Para su época, la conciencia intuitiva de Stern sobre el estilo musical y el período histórico era inusual. En el repertorio clásico, su acentuación precisa y su actitud directa permitían que la música hablara por sí misma. En las obras románticas, evitaba los portamentos y rubatos indulgentes. Para Stern, el significado del Romanticismo se encontraba en el temperamento apasionado y las articulaciones enérgicas, no en demostraciones sentimentales.
El enfoque de Stern no era tan distante como el de Heifetz ni tan introspectivo como el de Menuhin. También evitaba la trampa del impersonalismo modernista. hoy en día, el artista serio intenta presentar su arte de la manera más simple posible, dijo. nos preocupamos más por la interpretación fiel de piezas a gran escala. el artista contemporáneo expresa sus sentimientos a través de la música, en lugar de filtrar la música a través de sus sentimientos.
El compromiso de Stern con la música y la enseñanza
La preocupación de Stern por los valores musicales también se reflejaba en la cantidad de tiempo que dedicaba a la música de cámara, algo común entre los virtuosos actuales, pero menos común en la década de 1950. Al comienzo de su carrera, tocó con Pablo Casals, además de su asociación en sonatas con Zakin. De 1961 a 1984, Stern, el pianista Eugene Istomin y el cellista Leonard Rose formaron uno de los tríos de piano más influyentes del siglo; realizaron extensas giras y grabaron, entre otras obras, los tríos completos de Beethoven y Brahms. Más tarde en su carrera, Stern invitaba a menudo a sus jóvenes protegidos a unirse a él en veladas de música de cámara que iban desde dúos hasta octetos.
El hecho de que Stern tuviera tantos protegidos era indicativo de su preocupación por el fomento de jóvenes talentos. Aunque nunca enseñó formalmente, ofreció innumerables clases magistrales y sesiones de entrenamiento. Hoy en día, los hijos de Stern incluyen a los violinistas Pinchas Zukerman, Itzhak Perlman, Shlomo Mintz y Cho-Liang Lin, el pianista Yefim Bronfman y el cellista Yo-Yo Ma.
Muchos de estos músicos son israelíes, reflejo del compromiso de Stern con el estado judío. Su dedicación incansable a Israel lo llevó a ser casi un ministerio de cultura en sí mismo: buscaba jóvenes artistas, los ayudaba a obtener becas para estudiar en Estados Unidos (bajo los auspicios de la Fundación Cultural América-Israel, de la cual fue presidente de la junta directiva), fundó el Centro de Música de Jerusalén y su colonia de artistas afiliada, Mishkenot Sha'ananim. De todas sus actuaciones anuales en Israel, las más memorables fueron durante la Guerra del Golfo en 1991, cuando el público usaba máscaras de gas.
Pero Stern se consideraba a sí mismo un ciudadano global y no limitaba sus preocupaciones a Israel. Viendo la música como una fuerza universal para la reconciliación, se presentó en la Unión Soviética en 1956, en plena Guerra Fría, y viajó a China en 1979 antes de que se completara la reconciliación con Occidente. Un documental de su visita, de mao a mozart: isaac stern en china, ganó el premio de la Academia al mejor documental de larga duración en 198
A nivel nacional, Stern era venerado por la mayoría de los neoyorquinos amantes de la música después de 1960, cuando evitó por sí solo la demolición del Carnegie Hall. Al movilizar incansablemente el apoyo público, corporativo y artístico, Stern logró salvar y luego renovar el lugar. Como recompensa, se convirtió en el presidente de la Corporación Carnegie Hall.
Algunos consideraban que las otras actividades de Stern tenían un efecto perjudicial en su interpretación. El director de orquesta George Szell se quejó en 1964 de que stern aún no había alcanzado su potencial y que lo haría solo si pudiera limitarse a los aspectos esenciales de su arte y no malgastar su tiempo y energía en tantas causas dignas.
Pero eso era algo que Stern no podía hacer: cada vez se hacía más apropiada la ocurrencia de voy a escuchar a isaac stern en el carnegie hall esta noche / ¿de qué está hablando?. En los años 70 y 80, su interpretación comenzó a declinar: la afinación podía ser errática, la articulación y el arco a veces eran bruscos. Sin embargo, su musicalidad y energía permanecieron intactas. Stern, como Menuhin, pertenecía a una generación que veía la música y la humanidad como indivisibles: nos brindó más de medio siglo de gloriosa y enérgica interpretación musical.
Le sobreviven su tercera esposa, Linda, y tres hijos de su segundo matrimonio: una hija, Shira, y dos hijos, Michael y David.
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