El concierto para violín es una de las formas más populares y apreciadas dentro de la música clásica. Con su capacidad para mostrar la destreza técnica y la expresividad del violinista, estos conciertos son verdaderas joyas del repertorio. En este artículo, nos centraremos en el tercer movimiento de un concierto para violín en particular: el Concierto No. 9 de Charles Auguste de Bériot.
Introducción a Charles Auguste de Bériot y su Concierto No. 9
Charles Auguste de Bériot fue un violinista y compositor belga nacido en 180Al igual que Paganini, de Bériot fue un virtuoso del violín de su época. Estudió con reconocidos maestros como Giovanni Battista Viotti y Rodolphe Kreutzer, y también enseñó al destacado violinista Henri Vieuxtemps. De Bériot fue fundamental en el desarrollo de la escuela franco-belga de interpretación del violín.
El Concierto No. 9 de de Bériot es una obra escrita en estilo romántico y consta de tres movimientos, aunque generalmente solo se interpreta el primer movimiento. Este concierto es altamente virtuosístico y presenta desafíos técnicos como dobles cuerdas y rápidas escalas, lo que lo convierte en una excelente opción para estudiantes de nivel intermedio que desean avanzar en su técnica y expresión.
El tercer movimiento: Allegro maestoso
El tercer movimiento del Concierto No. 9 de de Bériot se titula allegro maestoso. Este movimiento tiene una fuerte influencia húngara y se caracteriza por su carácter audaz y enérgico.
La pieza comienza con un gesto de apertura que incluye una pausa antes de tocar una nota aguda en el violín. Es importante tocar esta nota con un sonido claro y separarla claramente de la siguiente nota. Durante el gesto de apertura, se puede utilizar un arco vertical para crear un contraste con el siguiente compás, que debe interpretarse con un arco más horizontal. Este gesto inicial debe ser fraseado de manera que conduzca al primer tiempo del compás 3
En este movimiento, también encontramos notas de adorno, como los grace notes. Es importante no retrasar la resolución de estos adornos para que la orquesta o el pianista no tengan que esperar. Los grace notes deben interpretarse en tiempo y es posible que sea necesario comenzarlos un poco antes y terminar el trino un poco antes de lo indicado. Durante el trino, se debe sentir la gravedad que conduce al siguiente tiempo fuerte.
En el pasaje del arpegio en La menor, es importante practicar deteniendo el arco y haciendo una pausa justo antes de cada cambio de cuerda. Al repetir este ejercicio y reducir gradualmente el tiempo de pausa entre cada cambio de cuerda, se logra que el arco se acostumbre a los cambios de cuerda. Aunque no es necesario pensar en la cantidad de notas que se tocan en cada cuerda, es importante que los movimientos del arco se conviertan en parte de la memoria muscular al aprender la pieza.
Los arpegios son simplemente acordes rotos, por lo que es fundamental afinar cada nota cuidadosamente. Cada La debe sonar igual, al igual que cada Do y cada Mi. En el compás 34, se pueden utilizar diferentes movimientos de arco, y es importante practicar la coordinación entre ambas manos. Algunos violinistas prefieren comenzar con un arco descendente. Durante el arco descendente, es importante no soltar demasiado el arco en la mitad inferior y asegurarse de conectarlo con el siguiente arco ascendente.
Existen diferentes formas de desplazarse hacia el La agudo. Una opción es el slide ruso, donde se utiliza el cuarto dedo para llegar directamente a la segunda nota (ver partitura a continuación). Otra opción es el shift francés, donde se utiliza el primer dedo para llegar a la nota de destino y luego se cambia al segundo dedo. Dado que hay un espacio de una octava completa, se pueden combinar estas dos formas de desplazamiento de diferentes maneras para obtener diferentes efectos sonoros.
Escucha la interpretación de la violinista Rachel Lee Priday en su lección en tonebase y experimenta por ti mismo. Varía tu interpretación cada vez que aparezca este pasaje.
Mantén la fuerza cuando llegues al La agudo. No coloques todo el peso en el dedo meñique, sino crea un soporte desde la parte posterior de la mano.
La última nota del compás 34 debe ser un armónico (aunque en la mayoría de las partituras no se indica como tal). La nota siguiente, un Mi, es una nota normal y se debe tener en cuenta la diferencia de afinación entre ambas. Priday coloca su dedo ligeramente más bajo para la nota normal que para el armónico.
El último floreo (un arpegio descendente en Mi mayor en el compás 39) debe interpretarse con nitidez. Intenta tocar en la punta del arco, articulando cada nota, y mantén la mano izquierda ligeramente adelante. La segunda repetición del tema está seguida de una frase más suave y encantadora desde el compás 4Abórdala con un sonido más ligero y encantador.
Dobles cuerdas
En los compases que comienzan en el 52, se deben evitar las pausas en el arco en medio de la frase, especialmente cuando las notas están ligadas. Mantén la velocidad del arco lo más constante posible. Estas son terceras y sextas, por lo que es importante practicarlas lentamente. Cuando se tocan dobles cuerdas, las manos deben trabajar más para crear vibrato con la mano izquierda y mantener los arcos con la mano derecha.
El vibrato debe realizarse con el brazo como una unidad, en lugar de utilizar solo los dedos. Esto ayudará a fortalecer el meñique y el segundo dedo para crear un vibrato más hermoso.
Los dedos deben mantenerse rectos, no demasiado planos, para tener más espacio de lado a lado y poder realizar el vibrato en las dobles cuerdas. Lo más importante es que el sonido se mantenga fluido y resonante.
Las dobles cuerdas marcadas como dolce (a partir del compás 55) representan un desafío significativo para tocar afinadas. Las octavas son muy expuestas, por lo que no sonarán limpias si no están perfectamente afinadas.
En primer lugar, debes afinar las octavas y utilizarlas como referencia para afinar las demás notas. El objetivo es repetir esas notas con precisión tantas veces como sea posible. Levanta el arco durante las pausas de las semicorcheas. Una vez que el marco de la mano esté establecido y las octavas afinadas, ajusta las demás dobles cuerdas al marco de las octavas. Las dobles cuerdas del compás 61 no incluyen octavas, pero asegúrate de que las cuartas estén afinadas.
Priday mantiene las rápidas tresillos a partir del compás 62 en la mitad del arco, comenzando cada grupo con un arco descendente. Mantén una interpretación muy ligera y nítida. No ralenties demasiado antes del rallentando en el compás 6
Segundo tema
Debemos practicar cuidadosamente los cambios de octava en este pasaje. Cuando las octavas en el violín están afinadas, la octava superior casi no se distingue de la inferior. (¡Algunos dicen que Heifetz tocaba sus octavas intencionalmente desafinadas para que los oyentes supieran que estaba tocando octavas!)
Para cualquier par de dobles cuerdas donde el intervalo sea el mismo, debes enfocarte en el dedo inferior. Deja que el otro dedo simplemente se mantenga en su lugar y esté unido a la mano, en lugar de afinar ambas notas al mismo tiempo. Aún así, debes mantener los dedos muy ligeros.
Priday practica este pasaje deslizando lentamente entre las dobles cuerdas, presionando suavemente. Durante el cambio de posición, levanta la presión mientras mantienes los dedos en las cuerdas, como si estuvieras tocando una serie de armónicos.
Desarrollo y vals
El siguiente pasaje, a partir del compás 75, comienza desde un punto bajo y se desarrolla hasta un punto álgido activo y emocionante.
Debemos encontrar una manera de reflejar el movimiento de las líneas con la velocidad del arco. Al principio, el movimiento del arco debe ser tranquilo pero con un poco de aire (moderadamente rápido). Presta atención a los puntos debajo de los ligados. Cada frase agrega un poco más de velocidad al arco para que las frases se desarrollen.
Después de esto, el resto de la pieza es un vals alegre y lleno de energía.
Practica cada pasaje técnico de la manera más hermosa y lírica posible, incluso a un tempo muy lento. En tu propio espacio de práctica, siéntete cómodo moviendo tu cuerpo al ritmo del vals. Aunque es posible que no desees balancear tu cuerpo excesivamente en el escenario, cualquier forma en que puedas sentir el ritmo te ayudará.
Finalmente, presta atención a los acentos y evita crear acentos donde no están escritos.
El Concierto No. 9 de Charles Auguste de Bériot es una obra destacada dentro del repertorio romántico para violín. A través de la refinación de la técnica y el fraseo, ahora tienes un conocimiento más profundo sobre cómo hacer que esta obra maestra del violín cobre vida.
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